Blade Runner - Um pilar no cinema contemporâneo

Blade Runner é um filme de acção e ficção científica realizado por Ridley Scott em 1982 inspirado pelo livro Do Androids dream of electric sheep? do “avozinho” da ficção científica Phillip K. Dick. Embora esteja formatado à tradicional estrutura da narrativa de Hollywood tem, em níveis secundários, alguns temas que merecem ser analisados pela sua subjectividade.

Blade Runner conta-nos a história de Deckard um “Blade Runner”, ou seja, um polícia/investigador/carrasco que é designado para perseguir e eliminar Replicants. Replicants são Cyborgs que, inicialmente desenhados para facilitar a vida ao ser humano, se mostraram demasiado perigosos e instáveis para a segurança pública e por isso são perseguidos e destruídos. A mais recente função de Deckard é perseguir quatro Replicants extremamente agressivos e essa investigação leva-o numa jornada onde são descobertas pessoas que mudarão a sua vida, verdades sobre a natureza dos Replicants e sobre a sua própria.

Num futuro onde a viagem inter-planetária já é possível vemos uma Los Angeles negra, completamente industrializada e por isso extremamente poluída, onde as ruas sujas abrigam vários tipos de criminosos. No entanto tudo é brilhante, as labaredas do topo das fábricas e os gigantes painéis publicitários parece que tentam tirar a atenção dos moradores para as condições degradantes em que vivem.

Com um final aberto a várias interpretações, que em vez de optar pela espectacularidade e pela acção preferiu um clímax mais voltado para a cabeça e para pensarmos-nos no verdadeiro sentido do filme, Blade Runner é um marco de que mesmo o cinema mais mainstream consegue ter conteúdo.   

3 nunca é demais - Filmes fantásticos

É sempre difícil definir fantasia, eu diria que é um género que utiliza meios que inicialmente já são impossíveis por si só e cujo objectivo é ajudar a metaforizar a mensagem da obra. Em baixo apresento três filmes com características de cinema fantástico que prezam pela sua originalidade e que são acessíveis a qualquer tipo de espectador.

Pan´s Labyrinth (2006)

Numa hábil narrativa vemos uma parte bem real, as perseguições a qualquer rebelde que se opunha ao regime fascista numa Espanha governada por Franco. Nesta poderosa realidade a nossa pequena protagonista, Ofélia, entra num mundo de fantasia onde tem de efectuar várias tarefas ordenadas pelo Fauno (uma actuação brilhante) de modo a provar que é mesmo a princesa do Reino subterrâneo. Um filme que tem uma atmosfera tão rica como o próprio conteúdo e que nos faz pensar no verdadeiro significado da obra.

Brazil (1985)

Levemente inspirado no romance de George Orwell 1984, Terry Gilliam constrói uma satírica visão do futuro onde a sociedade, tão preocupada com coisas superficiais, não se preocupa com o regime que a controla. Nesta sociedade Sam vive uma vida aborrecida até que começa a sonhar sempre com a mesma rapariga e decide fazer tudo para a encontrar, nem que isso signifique opôr-se ao próprio regime. Um filme que nos mostra um futuro completamente ridículo (usar botas como chapéus) ou não fosse Terry Gilliam um membro dos Monty Python, mas também que, pouco a pouco, nos faz sentir que devemos abrir mais os olhos para a realidade que nos rodeia.

Scott Pilgrim vs. the World (2010)

O objectivo de qualquer cineasta é fazer um filme que defina uma geração e Edgar Wright com este filme acertou em cheio deixando todos os espectadores, principalmente aqueles com as idades entre os 18 e os 30 extasiados com a enorme quantidade de referências nostálgicas. Neste filme leve e divertido Scott Pilgrim, um jovem músico, para conquistar o coração da sua amada tem de derrotar os seus sete ex-namorados usando vários super-poderes e sendo recompensado com moedas. Uma metáfora engraçada para mostrar que todos os relacionamentos trazem algum tipo de bagagem.

Tão Mau Que É Bom Demais - The Giant Claw (1957)

Nos anos 50, fruto da ameça nuclear, surgiu no cinema americano uma onda de filmes de série B cujo principal tema eram monstros com características aberrantes, totalmente inimagináveis, fosse uma árvore andante (From Hell It Came - 1957), uma criatura com tentáculos de aspecto duvidoso (Monster From the Ocean Floor - 1954), um Sistema Nervoso Central voador (Fiend Without a Face - 1958), uma bolha gelatinosa viva (The Blob - 1958), entre outras criaturas com formas extraordinárias. Havia depois os filmes de Ed Wood Jr., mas isso já é outra conversa! No meio desta lufada de filmes duvidosos, destacavam-se alguns que eram tão maus, tão maus, que chegavam a ser bons! E aí surge então The Giant Claw!

Mitch MacAfee (Jeff Morrow) é um piloto da força aérea que avista uma dia, durante um voo, um vulto de um objecto desconhecido, que ele descreve (e bem recorrentemente) ser "tão grande como um navio de guerra"! Não sabemos nada sobre o objecto, mas posteriormente vão ocorrendo mais avistamentos e alguns aviões começam a desaparecer.

A permissa de The Giant Claw é típica de filmes de série B desta época, no entanto é contada de uma maneira invulgarmente intigrante, deixando o espectador a expecular sobre o aspecto do monstro... isto até nos ser realmente mostrada a criatura! Quando uma ave gigante, de aspecto apatetado, com um pescoço de perú, com uma crina, que parece saída de um episódio barato dos Marretas nos surge à frente, sabemos que toda a credibilidade foi para as urtigas!

Mas é precisamente este monstro que torna o filme tão hilariantemente mau! Com as múltiplas aparições da ave, é impossível não rir e pensar o que raio estava a passar na cabeça do produtor quando achou que aquilo ia resultar. Pois bem, a criatura inicialmente era suposto ter sido concebida por Ray Harryhausen, mestre na criação de modelos para stop-motion. Claro que o orçamento limitado não permitiu tal coisa e o design da ave acabou à responsabilidade de um estúdio mexicano! Claramente compensou!

Os actores até se portam bem, para este tipo de filme, mas as suas actuações são fruto da total ignirância do tipo de filme onde se estavam a meter, uma vez que o monstro só foi adicionado em pós-produção, de tal forma que os actores nunca o chegaram a ver até o filme estar completo. Conta-se que Jeff Morrow foi à estreia do filme na sua cidade-natal e, depois de ver o monstro e ver as reacções de troça do público, saiu da sala sorrateiramente para que ninguém se apercebesse que lá estava, chegou a casa e embebedou-se!

Vale ainda dizer que a ave é extra-terrestre (as mutações são claramente sobre-valorizadas), o que significa que o pássaro veio a voar (!!!) pelo espaço fora até chegar à terra, uma vez que não tem nave, e possui uma escudo anti-matéria (alta tecnologia num perú gigante)!

Pérolas Escondidas - Corman's World: Exploits of a Hollywood Rebel (2011)

Roger Corman. Para muitos, principalmente nós europeus, este nome não diz nada... ou muito pouco. No entanto, este senhor que já anda na casa dos 80 anos e ainda continua no activo, foi talvez o maior nome do cinema exploitation que o Hollywood já conheceu... Foi também um dos principais responsáveis pelo aparecimento da Nova Hollywood, nos finais dos anos 60 e que se prolongaria pelos anos 70 fora.

Corman's World: Exploits of a Hollywood Rebel, infelizmente não estreado em Portugal (que novidade!), recupera um Corman que actualmente se encontra esquecido entre as gerações mais novas, mas jamais pelos que conviveram de perto ou foram directamente influenciados pela sua obra.

Quem nunca ouviu falar de coisas como Sharktopus, Camel Spiders, Supergator, Dinoshark ou esse grande clássico do cinema coiso que é Dinocroc vs. Supergator? São filme de série B, assumidamente maus, que saiem directamente para vídeo ou televisão, mas que encontram sempre um nicho de mercado disposto a aceitar tais coisas com braços abertos. Coisas que Roger Corman produz hoje em dia... Mas nem sempre foi assim...

O documentário vai às origens de Corman no cinema e percorre alegremente o seu percurso pelos anos 50, 60 e 70, mostrando as opções que levaram Roger a tornar-se no rei do cinema de série B, contando com várias entrevistas a amigos e colaboradores e realizadores influenciados pelo seu trabalho. Desengane-se quem pensa que Corman se dedica ao cinema exploitation porque não tem qualquer sentido de qualidade. Muito pelo contrário. Ao longo da sua carreira, com a sua própria produtora formada, Corman produzia e lançava os seus filmes, ao mesmo tempo que pegava em obras do cinema de autor europeu, que mais ninguém se interessava, como Bergman, Antonioni, Godard, Fellini e fazia esterar os filmes em locais de exibição impensáveis: os drive-in. Esta atitude contribuiu para que este tipo de cinema ganhasse notabilidade em terras do Tio Sam. Com a incursão falhada no cinema mais sério com The Intruder (1962), sobre integração racial, que será o seu melhor filme, porém um dos poucos que lhe deu prejuízo, Corman afastou de vez a ideia de fazer cinema de autor e dedicou-se exclusivamente ao cinema de série B.

Foi graças a ele que se formaram actores como Jack Nicholson, Sylvester Stallone e David Carradine e realizadores como Ron Howard, James Cameron, Peter Bogdanovich, Francis Ford Coppola, Martin Scorcese, Joe Dante, Jonathan Demme entre outros. O seu trabalho serviu de influência directa a Spielberg e George Lucas, que por ironia, com os seus Tubarão (1975) e Star Wars (1977), contribuiram para o seu declínio.

Sem Corman não teria existido Easy Rider, filme que impulsionou Hollywood a entrar numa nova era e a acolher outro tipo de cinema até aí impensável...

Se tiverem oportunidade vejam e fiquem a conhecer o homem que mudou Hollywood por ser do contra, mas que hoje muitos não fazem ideia de quem é!

CineCoa - "Um acto de resistência"

De 10 a 13 de Outubro de 2013 realiza-se, em Vila Nova de Foz Côa, o 3º Festival de CineCoa.
Destacado por ser um festival de cinema que surge numa pequena cidade do interior, o CineCôa dedica este ano ciclos a Luis Buñuel e à realizadora portuguesa Teresa Villaverde. O festival conta ainda com sessões dedicadas ao realizador canadiano Denis Cotê, desta vez estendidas a Lisboa e Porto.

O festival de cinema de Vila Nova de Foz Côa é um pequeno oasis cultural que se destaca dos grandes festivais das grandes cidades. Foi em 2011 que, quase sem querer, reparei numa pequena secção da já extinta revista Premiere onde se anunciava um festival de cinema realizado na cidade das gravuras rupestres. Foi com grande entusiasmo que acolhi a noticia, até porque Foz Côa é uma cidade não muito longe de onde eu vivo.
O CineCoa demonstrar-se-ia um pequeno festival cheio de grandes surpresas. Para começar, os convidados. Na primeira edição, os nomes que se destacaram foram os de Ludivigne Sagnier, uma actriz francesa e os convidados musicais, o grupo RED Trio, Tó Trip dos Dead Combo e o saudoso Bernardo Sassetti com Filipa Pais.

Foi uma experiência única. Ter o privilégio de ver no grande ecrã os primeiros filmes dos irmãos Lumière ao som de música original para o evento dos RED Trio, curtas de Charles Chaplin sonorizadas pela guitarra de Tó Trip e o momento alto do certame, ver a sala de cinema a encher para assistir à sessão de Maria do Mar, um filme português mudo, ao piano de Bernardo Sassetti e à voz de Filipa Pais. Ter a oportunidade de contemplar o belíssimo O Que o Céu Permite de Douglas Sirk, carta branca de Ludivigne Sagnier. O festival contou ainda com sessões dedicadas a Manoel de Oliveira.

A segunda edição não desiludiu e trouxe a Foz Côa o realizador francês Benoît Jacquot que teve em ante-estreia nacional o seu filme Adeus, Minha Rainha entre outras obras suas e o realizador argentino Lisandro Alonso. Para a sessão de filmes-concerto, a organização apresentou uma pequena pérola francesa, um filme de 1920 só descoberto nos anos 80, acompanhado ao piano desta vez por Mário Laginha. Esta edição contou também com uma homenagem ao então já falecido Bernardo Sassetti. O tema desse ano foi cinema e arquitectura e destacaram-se filmes como O Eclipse de Micheangelo Antonioni, O Desprezo de Jean-Luc Godard, O Meu Tio de Jacques Tati e o hilariante Nova Iorque Fora de Horas de Matin Scorsese!

Para este ano, o cartaz é talvez o mais apetecível, tendo na sua programação filmes como O Feiticeiro de Oz, Pinóquio, O Rio Sagrado de Jean Renoir e o filme concerto O Navegante de Buster Keaton. Para além deste títulos, há ainda os filmes de Buñuel, como Um Cão Andaluz, A Bela de Dia, Los Olvidados, Terra Sem Pão, L'Age D'Or, entre outros e ainda o ciclo Teresa Villaverde.

Para saberem mais sobre a programação e locais de exibição, consultem o programa em www.cinecoa.com ou aqui https://www.facebook.com/photo.php?fbid=547475488657379&set=pb.178056102265988.-2207520000.1380576162.&type=3&theater

Vale a pena experimentar se ainda não o fizeram, até porque os bilhetes são grátis!

O CineCôa é um festival que deve encher de orgulho a cidade de Foz Côa e a região do Douro e, como disse João Trabulo, organizador do festival, é "um acto de resistência"!

3 nunca é demais - Cinema asiático

Quem disse que o cinema asiático é aborrecido? Há muito para além de cinema asiático do que filmes de kung-fu e dos clássicos dos anos 50. Desta vez pretendo sugerir 3 filmes asiáticos recentes e acessíveis, encorajando as pessoas a abrir os horizontes para um tipo de cinema que marca pela sua singularidade.

Oldboy(2003)

Com o remake realizado por Spike Lee em pós-produção penso que esta obra-prima da última década irá ter, finalmente, a atenção que merece. O filme sobre um homem que é raptado e enclausurado durante 15 anos e depois libertado para procurar no seu passado os motivos que levaram ao seu aprisionamento combina perfeitamente acção, thriller e drama num clímax tão chocante como surpreendente. Destaque ainda para pormenores de realização geniais e uma banda sonora clássica que dá um tom único ao filme.

In the mood for love(2001)

Arrisco-me a dizer que é dos únicos filmes de romance em que os protagonistas não partilham uma única cena íntima e no entanto há entre eles uma química que raramente se vê. O filme que se foca num homem e numa mulher vizinhos, ambos sendo traídos pelo respectivo conjugue, e que decidem criar laços entre eles mas prometendo um ao outro que nunca fariam o lhes foi feitos a eles. Com uma fotografia excelente do mestre Christopher Doyle e uma grande banda sonora, como por exemplo Nat King Cole, o filme cria uma atmosfera única que o faz pertencer à lista de obras de arte do séc.XXI.

Infernal Affairs(2002)

A todas as pessoas que dissem que o "The Departed" é original eu gostava de dar um chuto no rabo. Não me levem a mal, o Scorsese é um génio, um filme está muito bem realizado e tem um elenco espectacular. No entanto quatro anos antes tinha surgido Infernal Affairs. Neste filme um policia infiltrado na máfia e um "rato" infiltrado na polícia tentam descobrir quem é o outro e assim deixar os seus superiores com uma vantagem, para uns o objectivo é parar o crime organizado, para outros é passar a perna ao departamento de polícia. Um filme de acção completamente imprevisível.

RoboCop 2014 - Um remake (des)necessário

Vamos ver aqui uma coisa... Será que sou só eu que estou entusiasmado com o remake de RoboCop?

Ultimamente Hollywood tem-se deixado levar pelo comodismo e dedica-se a refazer filmes de sucesso ou à produção de sequelas. É a lei do menor esforço... se não há inspiração para uma coisa nova, utiliza-se o que já foi feito. Muito raramente é possível encontrar obras que surpreendem, mas geralmente o resultado final são filmes desinspirados, sem nada de novo, que facilmente se esquecem.

Então porque haveria RoboCop de ser diferente? Já lá vamos.

O filme original, de 1987, era um exemplar filme de acção, com Peter Weller no papel do policia cyborg, que promovia a co-existência entre homem e máquina. Se Exterminador Implacável de James Cameron, lançava um olhar negro sobre a tecnologia, RoboCop - O Polícia do Futuro harmonizava a relação homem-máquina. Robocop foi realizado por Paul Verhoeven, um cineasta que tanto tem no seu curriculum filmes de culto, como filmes que era melhor varrer para baixo do tapete!

Para este remake há desde logo um nome que se destaca: José Padilha. O realizador brasileiro responsável por duas das melhores obras que o cinema brasileiro recente já viu, Tropa de Elite e a sua sequela, dirigiu ainda o documentário Autocarro 174, obra exemplar na denúncia do abuso policial. Mas o "elenco" não fica por aqui.

O argumento, escrito a quatro mãos (demasiadas!), tem três nomes de referência. 1 - Nick Schenk, responsável pelo argumento de Gran Torino; 2 - James Vanderbilt, autor de Zodiac, de David Fincher; 3 - David Self, que transpôs de forma magistral a graphic novel Road to Perdition de Max Allan Collins e Richard Piers e que Sam Mendes realizou em 2002.

Se isto não chega pare me convencer, então não sei o que faltará.